CICLO DE JAZZ

EL CENART OFRECE POR DÉCIMO AÑO CONSECUTIVO SU CICLO DE JAZZ

*** Se contará con la presencia de estilos tan contrastantes como los de Ximena Sariñana y Alberto Zuckerman
*** Del 7 al 28 de octubre en la Plaza de las Artes


Celebrado por primera vez en febrero de 1997, el Ciclo de Jazz del Centro Nacional de las Artes, ha abierto sus puertas a todos los grupos y escuelas de jazz, nacionales e internacionales. En esta ocasión contará con la participación de los mejores exponentes del jazz de México, Argentina, Uruguay y Estados Unidos.

Ximena Sariñana, Luis Nacht, Luis Octavio Cervantes, Roberto Aymes, Edison Quintana, Alberto Zuckerman e Ilan Bar Lavi conforman el cuadro de este ciclo, el cual “reúne diferentes estilos del jazz. La variedad con la que cuenta este serial coincide con la misión de integración de escuelas tradicionales y novedosas, por ejemplo, la frescura de Sariñana y el jazz tradicional de Zuckerman”, señaló Lilia Díaz, Subdirectora de Planeación Artística del Centro Nacional de las Artes.

Diaz destacó que una de las virtudes del Ciclo de jazz ha sido el espacio para nuevas propuestas musicales -como la de Sariñana o Bar Lavi-; asimismo, apuntó que estos dos artistas junto con Luis Nacht y Luis Octavio Cervantes, se presentan por primera vez dentro de la Plaza de las Artes.

La encargada de abrir el Ciclo de jazz, el domingo 7 de octubre, será la mexicana Ximena Sariñana, quien ofrecerá el programa compuesto por When Sunny Gets Blue, de Jack Segal y Marvin Fisher; How High The Moon, de Morgan Lewis y Nancy Hamilton; Summertime, de George Gershwin, Ira Gershwin y DuBose Heywars; A Foggy Day y My Funny Valentine, de George Gershwin, Ira Gershwin y Richard Rodgers; It Don't Mean a Thing, de Duke Ellington y Louis Prima; Mañana no es hoy, La huellas, Cuento, Como soy, Mediocre y La luna, de composición propia y finalmente Gracias a la vida, de Violeta Parra.

El domingo 14 de octubre, toca el turno a Luis Nacht Jazz Quartet, integrado por Pablo Arredondo en la guitarra, Carto Brandánen, batería, Jerónimo Carmona, contrabajo y Luis Nacht en el saxofón y la flauta. El cuarteto presentará un concierto llamado Nacht Mood que incluirá las piezas Alegre equilibrio, El zorzal, Danza en el río, Jimena e India, composiciones de Nacht, así como Beatrice, de Sam Rivers.

Luis Octavio Cervantes Jazz Trío se presenta el sábado 20 de octubre, en compañía del baterista Pedro Galindo y el bajista David Sánchez, el recital del terceto se compone de las piezas A Night in Tunisia, de Dizzy Gillespie; Armando’s Rumba, de Chick Corea; Caballo de fuego, Terapeuta, Estudio I y Danza de jazz 1 de Luis Octavio Cervantes; Beautiful Love, de Young/King/Gillespie/Alstyne; Bésame mucho, de Consuelo Velásquez; Solar, de Miles Davis y The Peacocks, de Jimmy Rowles.

Por su parte Art Latin Jazz, liderado por Roberto Aymes en el contrabajo, Roberto Guerrero en el piano y Arturo Rodríguez en la batería, ofrecerá el domingo 21 de octubre, un concierto intitulado Bolero mood, que incluye Sabor a mí, de Álvaro Carrillo; Duerme, de Miguel Prado; Francisca de las gaviotas, de Roger Novelo; Amor, amor, de Gabriel Ruiz; Esta tarde vi llover, de Armando Manzanero; Bésame mucho, de Consuelo Velásquez; Muñequita linda, de María Grever; La puerta, de Luis Demetrio; Cuando vuelva a tu lado, de María Grever; Azul, de Agustín Lara; Silenciosa, de Mario Ruiz Armengol; Todo y nada, de Vicente Garrido y Capullito de alhelí, de Rafael ‘El jibarito’ Hernández.

Edison Quintana Trío Jazz, se presenta el sábado 21 de octubre; conformado por Quintana (piano), Roberto Aymes (contrabajo) y Salvador Merchant (batería); el trío ofrecerá un programa llamado Jazz clásico a la manera de… que incluye obras de Scott Joplin, Fats Waller, George Shearing, Dave Brubeck, Paul Desmond, George Gershwin, y Claude Bolling.

Alberto Zuckerman se presenta en trío, el sábado 27 a las 16:00, acompañado de Juan Carlos Buchán en el contrabajo y de José Manuel Rodríguez en la Batería. El recital que ofrecerán contempla las piezas Ida Lupino, de Carla Bley; Llamada, Lore y Vero, y Tributo a Paul Bley, de Alberto Zuckerman; Nefertiti, de Wayne Shorter; Deep Tango, de Steve Kuhn; Thoughts of a gentleman, de Steve Kuhn y Milestones, de Miles Davis.

Finalmente, el domingo 28 de octubre, Bar-Lavi World Jazz Quintet, integrado por Ilán Bar Lavi, guitarra; Matan Chapnizka, saxofón tenor; Víctor Gould, piano; Haggai Cohen Milo, bajo y Jeffrey Fajardo, batería ofrecerán un concierto con las composiciones: Brillitos, One for Tony, Saga, Y sin chillar, Puddel , A Night in Nahlaot, Blues for Arnie, Chompy Day, Get Krunk, No More, Simcha y Song in Seven, de Bar Lavi.

El Ciclo de jazz se presenta en la Plaza de las Artes, del Centro Nacional de las Artes, del 7 al 28 de octubre a las 13:30 horas, a excepción del concierto de Alberto Zuckerman que se realizará a las 16:00 horas. Río Churubusco Nº 79, esquina con calzada de Tlalpan, colonia Country Club, cerca de la estación General Anaya del Metro. Entrada libre. Consulte cartelera www.cenart.gob.mx

Francisco A. Avila

¿...Y LAS TRES CARABELAS?

Danza, teatro, música y muñecos en obra multidisciplinaria.

¿...Y LAS TRES CARABELAS? DE MA. LAURA ZALDÍVAR, DIVERTIDA AVENTURA EN ALTAMAR


*** Sábados y domingos de octubre a las 12:00 horas en el
Teatro Raúl Flores Canelo


Inspirada en un hecho histórico, la puesta en escena ¿...Y las Tres Carabelas?, de la compañía Athosgarabathos, se transforma en una aventura fantástica en la que conviven seres reales e imaginarios, que se darán cita durante el mes de octubre en el Teatro Raúl Flores Canelo del Centro Nacional de las Artes.

Dirigida por Ma. Laura Zaldívar, la obra cuenta las aventuras de Carchelejo y Anduriel, quienes al no poderse embarcar en alguna de las tres carabelas, navegaron -acompañados de su mascota, la vaquita Pinta y una plantita de trigo- rumbo a una divertida y peligrosa aventura en altamar.

Fundada en 1995 por Ma. Laura Zaldívar, la compañía de arte escénico y de talleres infantiles de expresión y creatividad, Athosgarabathos, se ha presentado con temporadas de danza infantil en la Sala Miguel Covarrubias, en el Teatro de la Danza, en el Centro Cultural Los Talleres, en el Centro Cultural San Ángel, en el Museo Universitario del Chopo, en foros del ISSSTE y en diversos espacios alternativos del Distrito Federal y del interior de la Republica Mexicana.

Asimismo, la agrupación ha participado en festivales como el Festival Internacional de Danza Contemporánea de San Luis Potosí; Internacional de Puebla; Internacional Quimeras, en el Papalote Museo del Niño; así como en la Feria del Libro de Guadalajara y en el Banffcentre de Canadá.

Maestra de danza y arte escénico, Ma. Laura Zaldívar ha realizado estudios de danza contemporánea, clásica, folclórica, jazz, gimnasia acrobática, nado sincronizado y piano. También ha participado en cursos y talleres de danza y teatro organizados por el Instituto Nacional de Bellas Artes y el Centro Nacional de las Artes.

En el 2003, con el apoyo de una beca otorgada por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes y el Banffcentre, realiza y estrena en Banff, Canadá, la coreografía Y entonces un rebozo. Entre su obra coreográfica más representativa se encuentran: Fértil, siempre luna; De tal palo tal silla; ...Y entonces un rebozo; y El pirata chimuelo.

¿...Y las Tres Carabelas?
se presentará los sábados y domingos de octubre a las 12:00 horas, en el Teatro Raúl Flores Canelo del Centro Nacional de las Artes. Río Churubusco Nº79, esquina con Calzada de Tlalpan, colonia Country Club, cerca de la estación General Anaya del Metro. Costo 100 pesos. Boletos en taquilla y ticketmaster. Consulte Cartelera www.cenart.gob.mx

Francisco A. Avila

No es Cordero, que es Cordera


TEATRO MUSICAL RENACENTISTA EN HOMENAJE A IGNACIO SOTELO

*** Paráfrasis de León Felipe, basada en la obra Noche de Epifanía, de William Shakespeare
*** Del 5 al 21 de octubre en el Teatro Salvador Novo


Dirigida por David Trillo y estelarizada por Samantha Delgado, la puesta en escena No es Cordero, que es Cordera, rinde un homenaje póstumo al maestro Ignacio Sotelo. Presentada como un musical renacentista, la paráfrasis de León Felipe, basada en la obra Noche de Epifanía, de William Shakespeare, cuenta la historia de dos gemelos, Viola y Cesáreo, que tras el exilio y un naufragio desafortunado, son separados por el destino, para encontrarse será necesario que atraviesen por una serie de adversidades y enredos memorables.

Trillo explicó que la propuesta más interesante de la obra consiste en “cantantes que actúan y actores que cantan Shakespeare, Contamos con actores que han participado en los musicales más exitosos como Los miserables, Rent, Los Productores y José el Soñador; gente de muy alto nivel que al mezclarse con una comedia de enredos, tan ligera y divertida, el resultado es una obra que complace a todo público.”

El reparto lo componen Samantha Salgado (Viola y Cesáreo); Germán Lobos Mendoza (Duque Orsino); Sandra Gaertner y Alejandra Desiderio (Condesa Olivia); Jesús Cassab (Bufón y Carranzano); Angie Vega y Laura Jerkov (María); Alfredo Vargas Brindis (Don Tobías) y Lisandro Duarte (Paje y Antonio).

Con siete actores-cantantes en escena y la música renacentista del grupo Vitanova (cuarteto de cuerdas), la puesta en escena, No es Cordero, que es Cordera, “fue seleccionada por su riqueza de estilo, invita al espectador a incursionar en el conocimiento del verso blanco, en una anécdota interesante y divertida; creo que Shakespeare es como Mozart en la música: en su sencillez esta lo complejo”, agregó David Trillo.

Con la develación de una placa conmemorativa en homenaje al director de escena Ignacio Sotelo, durante la última función, No es Cordero, que es Cordera, se presenta, del 5 al 21 de octubre, en el Teatro Salvador Novo del Centro Nacional de las Artes. Miércoles, jueves y viernes, 20:00 horas; sábados, 19:00 horas y domingos a las 16:00 horas. Río Churubusco Nº79, esquina con Calzada de Tlalpan, colonia Country Club, cerca de la estación General Anaya del Metro. Costo 100 pesos. Boletos en taquilla y ticketmaster. Consulte Cartelera www.cenart.gob.mx

Francisco A. Avila

TEATRO DE TÍTERES

Galácticas aventuras con la obra

¡LOS MARCIANOS LLEGARON YA!

*** Teatro de títeres en La Pérgola de la Escuela Superior de Música
*** Sábados y domingos, del 6 al 28 de octubre, a las 13:30 horas

Producciones Patito, compañía de títeres, presenta los sábados y domingos de octubre a las 13:30 horas, en La Pérgola de la Escuela Superior de Música, la obra ¡Los marcianos llegaron ya!.

Alejandra Morales, autora y directora de la puesta en escena, invita a los niños y al público en general a “surcar por el inmenso mundo del teatro de títeres, acompañando a tres simpáticos y estrambóticos marcianos que aterrizan por error en nuestro planeta, quienes al entrar en contacto con otras especies como un gusano, una mariposa, y un pájaro loco, se dan cuenta de el daño que la humanidad está causando al planeta contaminándolo y destruyéndolo”, un mensaje que es necesario que los niños entiendan y hagan parte de su vida.

“La intención de nuestro trabajo es presentar un teatro de títeres de calidad, con un cuidadoso tratamiento de la estética de los títeres, apoyándonos siempre, en un texto que involucre al público y los divierta, dejándoles una enseñanza”, comentó Morales.

La compañía Producciones Patito, fundada en 2004 por Morales, cuenta actualmente con un repertorio de cinco obras de títeres: La fabulosa fábula de la vaca que quería volar, Las aventuras de el perro maravilla, El pastorcito que llegó a ser Presidente, ¡Los marcianos llegaron ya! y la pastorela, La noche que el diablo perdió la cola. Han participado en diversas ocasiones en la Feria del Libro del Zócalo de la Ciudad de México, así como en la Feria del Libro Infantil y Juvenil en el Centro Nacional de las Artes.

Alejandra Morales es egresada de la Escuela Nacional de Arte Teatral, del Instituto Nacional de Bellas Artes con licenciatura en escenografía.

¡Los marcianos llegaron ya! de Alejandra Morales, se presenta sábados y domingos, del 6 al 28 de octubre a las 13:30 horas, en La Pérgola de la Escuela Superior de Música del Centro Nacional de las Artes, ubicada en Río Churubusco Nº 79, esquina con Calzada de Tlalpan, colonia Country Club, cerca de la estación General Anaya del Metro. Entrada libre. Consulte cartelera www.cenart.gob.mx

Francisco A. Avila

CÉSAR REYES

Tras cinco años de ausencia

CÉSAR REYES REGRESA A LOS ESCENARIOS DE MÉXICO

*** Recital con obras de Schubert, Schumann, Moncayo y Bach
*** Jueves 4 de octubre a las 20:00 horas en el Auditorio Blas Galindo


Considerado como uno de los más importantes jóvenes músicos latinoamericanos de su generación, el pianista César Reyes regresa, tras cinco años de ausencia, a los escenarios de la ciudad de México. El Auditorio Blas Galindo será la sede en la que el pianista se reencuentre con su público al ofrecer un programa con lo mejor de la literatura pianística; Fantasía Wanderer, de Franz Schubert, Carnaval op. 9, de Robert Schumann, Muros verdes, de José Pablo Moncayo, y Partita 5, de Johann Sebastian Bach, podrán ser disfrutadas el próximo jueves 4 de octubre a las 20:00 horas.

Con respecto a la selección de las obras, Reyes explicó, “el programa incluye dos de las obras más importantes de la literatura pianística romántica: la Fantasía Wanderer (El viajero), de Franz Schubert y el Carnaval op. 9 de Robert Schumann. La Fantasia Wanderer, es considerada una de las obras más virtuosas del compositor vienes, está compuesta de cuatro movimientos basados en un mismo tema; primera composición para piano que conecta directamente todos sus movimientos, convirtiendo esta obra en un viaje profundo y emocional.

“Carnaval op. 9, la elegí por su historia, Robert Schumann se enamoró en 1834 de Ernestina von Fricken y decidió escribir una especie de diario musical en el que apuntaba los deliciosos sentimientos de ese corto periodo; esbozó los retratos de amigos y personajes imaginarios, a los que su fantasía situaba en un carnaval de pueblo” aseguró Reyes.

El maestro César Reyes realizó su formación artística en el Centro Nacional de las Artes y en la City University of New York, bajo la dirección de los maestros Raúl de la Mora, Horacio Franco, Mario Lavista y Tania León. Bajo la dirección del reconocido pedagogo Germán Diez, quien fuera discípulo y asistente del legendario pianista Claudio Arrau, desarrolló estudios de Maestría en Música en la City University of New York, gracias al apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes y del Instituto Nacional de Bellas Artes.


Como promotor de la música mexicana, se ha presentado en diferentes universidades y conservatorios del mundo ofreciendo conferencias sobre la música de su país y sobre el repertorio pianístico nacional. Entre sus próximas presentaciones se encuentran recitales en el Weill Recital Hall del Carnegie May, en Nueva York, y una ponencia en la conferencia anual de la “Society for American Music” en San Antonio Texas, titulada “Obras Maestras de la Literatura Pianística Mexicana”.

El recital del pianista César Reyes tendrá lugar el jueves 4 de octubre a las 20:00 horas, en el Auditorio Blas Galindo del Centro Nacional de las Artes, ubicado en Río Churubusco Nº 79, esquina con Calzada de Tlalpan, colonia Country Club, cerca de la estación General Anaya del Metro. Entrada libre. Consulte cartelera www.cenart.gob.mx


Francisco A. Avila

TESOROS DE LA MÚSICA DE CÁMARA RUSA

Irina Shishkina, Sergei Gorbenko e Inna Nassidze, presentan:

TESOROS DE LA MÚSICA DE CÁMARA RUSA

*** Martes 2 de octubre a las 20:00 horas en el Auditorio Blas Galindo


Con obras de Mikhail Glinka, Sergei Rachmaninov, Georgy Sviridov e Igor Stravinski; la pianista Irina Shishkina, el violinista Sergei Gorbenko y la violonchelista Inna Nassidze, presentan el concierto Tesoros de la Música de Cámara Rusa, el martes 2 de octubre a las 20:00 horas, en el Auditorio Blas Galindo del Centro Nacional de las Artes.

Nacida en Irkutsk, Siberia oriental, Irina Shishkina comenzó sus estudios musicales a la edad de siete años, a los once ingresó por concurso en la Escuela Central Musical de Moscú donde estuvo siete años bajo la tutela de la destacada maestra de piano Tamara Koloss. Es ganadora del concurso Schedrin (Moscú 1985). Ofreció recitales de piano en diversas ciudades de Rusia incluyendo la sala Bolshoi de Moscú –la más prestigiosa del país-, bajo la batuta de Fuat Mansurov.

Ha presentado diversos ciclos de conciertos dedicados a la difusión de compositores rusos entre los que destacan la interpretación del repertorio íntegro de música de cámara de Dimitri Shostakovich; recitales de piano que abarcan compositores rusos de distintas épocas y, recientemente, la coordinación y ejecución del ciclo “Antología de Música Rusa” en colaboración con la UNAM. Actualmente reside en la ciudad de México donde es profesora de piano y música de cámara en la Escuela Superior de Música del Instituto Nacional de Bellas Artes.

Originario de Alma-Ata, ex Unión Soviética, Sergei Gorbenko realizó sus estudios de violin en el Instituto Musical Gnesins de Moscú, bajo la dirección del profesor Bondarenko. Durante diez años fue concertino de la Orquesta del Teatro de Cámara de Moscú, encabezada por el famoso director Gennady Rozhdestvensky. También fue concertino de la Orquesta de la Radio y Televisión Soviética, bajo la dirección del maestro Maxim Shostakovich.

Avecindado en México desde 1990, es fundador del Cuarteto Rusia. En la actualidad, el maestro Gorbenko forma parte de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México y de la Orquesta Sinfónica de Minería. Recientemente, junto a la destacada guitarrista rusa, Nadia Borislova, grabó un disco con la música del compositor italiano Mauro Giuliani.

Por su parte, Inna Nassidze, nacida en Georgia, hizo su debut como solista, a la edad de diez años en Tbilisi Georgia, con la Orquesta de Cámara Estatal Georgiana. En 1999, se graduó del prestigiado Instituto Curtis, en Filadelfia, donde estudió con David Soyer y música de cámara con Félix Galimir.

En enero de 2003, estrenó en México el Concierto para Chelo y Orquesta de Samuel Barber con la Orquesta Sinfónica de Xalapa, bajo la dirección de Carlos Miguel Prieto; en mayo de 2005 estrenó el Concierto #1 para Chelo y Orquesta de Darius Milhaud. Actualmente, imparte la cátedra de Violonchelo en el Instituto Superior de Música del Estado de Veracruz.

El concierto Tesoros de la Música de Cámara Rusa, presentado por Irina Shishkina, Sergei Gorbenko e Inna Nassidze, se presenta el martes 2 de octubre a las 20:00 horas, en el Auditorio Blas Galindo del Centro Nacional de las Artes, ubicado en Río Churubusco Nº 79, esquina con Calzada de Tlalpan, colonia Country Club, cerca de la estación General Anaya del Metro. Entrada libre. Consulte cartelera
www.cenart.gob.mx

Por Francisco A. Avila

EXPLORAR

Por Magda R.


He decidido salir a explorar;
El mundo es tan amplio,
Ofrece mil formas de vagar.

¿Por dónde comenzar?
El mar es maravilloso
Y para los ríos es su terminar.

Mi sueño es navegar
En agua turbulenta
Y en ti desembocar.

Pero ¿Cómo adentrar
A un mundo inequívoco,
Sin tu cuerpo mirar?

No es ningún vacilar,
Es conocer tu ser
Sin prejuicios de pecar.

Que mejor forma de amar
Que el correr del agua
Cálida, sobre todo tu andar.

Amante sin reclamar;
No es sólo tocar
Es entender para enseñar

Siempre me dejo llevar;
El agua es tan clara
Que me dejo arrastrar.

Cuerpo inerte que deslizar
Pero no por el río Orinoco,
Se embarca en su propio transitar.

No es que no quiera mirar
Es que necesito ver dentro
Para relacionar.

¿Qué hago?

Por Magda R.

Jamás recibí traición igual
Mucho menos de quien reposa
A mi diestra en el final.

Confundida, sin poder caminar
Me pregunto como
Me pudiste traicionar.

Te imagine junto a mi lecho
Pero como el vigía,
No como el verdugo
Que me tiro el techo.

La mentira es un dolor,
La infidelidad una miopía,
La traición es el cáncer
Que provoca la arpía.

Explícame por favor
Necesito entender
Para no guardarte rencor.

Quiero secar estas lágrimas
Que se han convertido
En un río que arrastra sin tras.

¿Qué significa llorar?
No es desprender lágrimas del mirar
Es desgarrar hasta gritar.

De tanto llorar he desgarrado
No mi garganta sino mi mano
Que grita con cada dedo
Subyugando mi alma para pintar…

No me dejes sollozar
Porque no puedo más…
Necesito respirar.

PERECER EN EL AGUA

De Francisco A. Avila


Cuentan los viejos sabios, que fue en el taller de Algol, el último gran alquimista de la historia, que se cometió la peor de las ofensas contra un dios, y que por esa razón, hemos sido condenados a perecer en el agua.


Trabajando obsesivamente en su taller -protegido por los hechizos más antiguos del mundo, en algún lugar de las montañas de Harz, en Alemania-, Algol había descubierto la fórmula para crear una verdadera piedra filosofal. Durante años se dedicó a recolectar los ingredientes necesarios, para obtener algunos, tuvo que matar y engañar a grandes magos y otras criaturas menores, sin embargo, había un ingrediente que no podía conseguir: una estrella recién nacida.


Viajó por todo el mundo y analizó detenidamente la historia de todas las culturas que hubiesen habitado el planeta. Al borde de la desesperación, descubrió en un antiquísimo pergamino egipcio, la historia de Kiex, la cazadora de estrellas.

Hija olvidada de Khon, dios de la luna, Kiex era la encargada de cazar a las estrellas nacientes que pudiesen competir en brillantez con su padre. Un día quebrantando su sagrado deber, Kiex se enamoró de un mortal y descuidó su tarea, por lo que muchas estrellas maduraron y brillaron como nunca, opacando la belleza de Khon, que decepcionado y ofendido, castigo a Kiex, encerrándola en el reflejo de su brillo en un lago perdido.

Decidido a resucitar a Kiex, Algol inició la búsqueda de aquel lago. Lo que resulto más fácil que encontrar el rubí relleno de lava o el corazón de unicornio devorado por un dragón. Después de algunos días, encontró el lago, congelado, en una región inhabitable de América.

Probó con seis hechizos milenarios pero no consiguió nada. Sabía que le quedaba un hechizo, lo dudo unos instantes: era demasiado peligroso, pero recordó su cometido, la grandeza que obtendría y se decidió; realizó el conjuro más letal, ofreciendo dos tercios de su propia sangre.

La noche estaba por apagarse, una vez dichas todas las palabras y derramada la sangre suficiente, sucedió, el reflejo de la luna se desvaneció, su luz se convirtió en un rayo que atravesó el cielo en todas direcciones, hubo un segundo de calma y de pronto una extraña explosión, como si chocaran dos enormes glaciares, se pulverizaran y desaparecieran en un santiamén.

Débil, Algol reconoció frente a él a Kiex, una hermosa joven, majestuosa, envuelta en un peculiar abrigo de piel de león y una mágica red de caza, de largo mango hecho de encino adornado con jeroglíficos de oro y la red tejida con pequeñas hadas y cabellos de sirena.

Kiex se acercó a Algol y le dio a beber su llanto, era innegable su origen divino, pues Algol se recuperó inmediatamente. Kiex preguntó por su amante y Algol le explicó que había sido asesinado hace miles de años por su padre. Le dijo que la había resucitado ya que él era capaz de encontrar el alma de su amante a cambio de un simple favor: una estrella recién nacida.

La diosa lo meditó, sabía que el gran amor que le profesaba aquel hombre le haría reencarnar una y otra vez hasta que ella regresará y pudieran ser felices. Preguntó a Algol, si Khon, su padre, no impediría su encomienda, si no descubriría que había sido liberada. El alquimista, arrogante e insensato, le aseguró que nadie podría saberlo.

Llena de esperanza y amor, Kiex, emprendió la búsqueda de una estrella naciente. Fue una faena complicada, las estrellas madre, después de tantos siglos en aparente calma, habían cobrado mayor fuerza y poder, su luz era cegadora y habían desarrollado un tipo de campo de fuerza impenetrable en el que alimentaban a sus hijas con papillas de polvo estelar.

Cerca de la constelación de Andrómeda, encontró a una estrella solitaria a punto de dar a luz, usando todo su poder, consiguió acorralarla y mantenerla bajo su dominio hasta que la concepción ocurrió. Aquello fue algo indescriptible, la estrella trató de luchar contra Kiex que le arrebataba a su pequeña, pero el parto y los hechizos de su oponente la habían debilitado demasiado.

Nada podía hacer aquella estrella salvo seguir luchando, Kiex había olvidado el dolor que le causaba matar, y ese momento de recuerdo y distracción bastaron para que la estrella que estaba a punto de morir, hiriese letalmente a Kiex.

Malherida, con la estrella recién nacida atrapada en la red oculta bajo su abrigo, se dirigió al taller de Algol. Cuando el alquimista la vio llegar, corrió hasta ella y le arrebató la estrella, notó que estaba mal herida y decidió terminar con Kiex. La asesinó sin pensar en las terribles consecuencias que traería su ambición. En el momento en que agregó la estrella bebé a su poción, Khon apareció en su taller y lanzó dos maldiciones, a él lo condenó a vivir eternamente como un peñasco golpeado sin descanso por el océano.

La segunda maldición, fue lanzada contra la humanidad, Khon vio en el amante de Kiex y en el alquimista, la razón por la que su amada hija había muerto. Utilizando su poder, decidió eliminar a la humanidad, borrando todo rastro, todo vestigio del hombre y su mundo con tormentas, huracanes, maremotos y demás atrocidades pluviales que hoy sufrimos.

Eso cuentan los viejos sabios.

VMA's 07

Por Francisco A. Avila


Más allá de los premios que entrega MTV cada año, lo que todos esperamos son los performances de nuestros grupos o solistas favoritos; este año hubo de todo y estas son las cinco actuaciones que recordaremos hasta la siguiente entrega:
Número 5

La anunciaron como el plato fuerte de la noche, y del esperado y polémico regreso de Britney Spears no quedó más que esta lamentable aparición. Sin importar si fuiste, o no, fan de Britney, nadie puede negar que fue un producto concebido e impulsado por MTV, por lo que me sorprende enormemente el aparatoso y malévolo descuido, 1) para que la anuncian con bombo y platillo sí iba a presentar ésto? la aventaron a la fosa de los leones como en pleno circo romano? 2) qué pasó con las supercoregrafías? si por algo se caracterizo Britney en sus presentaciones en los VMA fue por contar con la mejor producción, y es que si uno compara su presentación con la de Kanye West o algún otro se ve que le dieron dos pesos para hacer lo suyo. Cosas muy raras suceden y lo que se esperaba un regreso triunfal fue el mayor fracaso del pop en la historia de la televisión mundial...
Número 4

A diferencia de Britney, alguien que surgio del "pop plástico" y ha sabido evolucionar para bien es Justin Timberlake, el tipo se ha relacionado con la gente adecuada y la música que hace últimamente es de lo mejor. No cabe duda que la mancuena con Timbaland es de las mejores en el terreno musical, tanto que le permite, al niño bonito de "dirty pop" cantar junto al rudo 50 cent.
Número 3

Este chico no es tan conocido en México pero es de los mejores cantantes de R&B y sobre todo, un bailarín extraordinario, primero recordando a Chaplin y después al rey del pop: Michael Jackson al estilo Billy Jean, Chris Brown demostrño que es un nuevo talento al que no hay que perder de vista. Compartió escenario con Rhianna y su hit Umbrella, canción que sin el apoyo de Jay-Z y la influencia de Beyoncé no sería nada.
Número 2

Sin duda alguna uno de los grandes en el Hip-Hop, el Rap y el R&B es Kanye West, esta rola titulada Stronger, cuya base es una canción del dueto Daft Punk, es simple y sencillamente una de las mejores rolas del 2007.
Número 1

Como dicen los gringos: the one, the only: Alicia Keys. Qué puedo decirles. No one es el nombre del sencillo con el que regresa a la escena musical. Para mí, lo mejor en la noche de los VMA's 07. Además de excelente música debo mencionar el cuerpazo y la belleza con la que regresa.

Lo mágico, enigmático y místico en el arte de Remedios Varo

Por Josefa Zambrano Espinoza

“Soy mujer, pero tengo talento”, clama Lisístrata desde la Acrópolis.

A través de los siglos, su voz es la de todas las mujeres. Mujeres que vivimos en un mundo donde la palabra y la agresividad viriles aún tienen la fuerza para hacer de la guerra, por ser “cosa de hombres”, un arte, pero, afortunadamente, ese poder es insuficiente para hacer del arte una guerra, pues el talento, el genio, también es “cosa de mujeres”.

De ahí que sean las mujeres quienes en las guerras han padecido y padecen las más terribles congojas, y en el arte sólo su avasallante talento, su genio, ha sido y es el que, trascendiendo el tiempo, avala el genuino valor artístico y universal de sus obras.

Este es el caso de Remedios Varo, una mujer signada por las guerras y el genio artístico. Creadora de una original, fascinante, enigmática y poco conocida obra, gracias a la cual, 37 años después de su muerte, el Museo Nacional de Mujeres Artistas en Washington, D. C. (único museo en el mundo dedicado a las obras de arte creadas por mujeres) ha exhibido una extraordinaria retrospectiva de su pintura, valorando así el nombre y el arte de “una de las pintoras más importantes del siglo pasado”. Mas ¿quién es Remedios Varo?

Ecos de una vida

Los connaisseurs la presentan como una de las principales exponentes del “surrealismo mexicano tardío”, pues fue en México —país de rasgos socio culturales señaladamente machistas— donde coincidencial y paradójicamente floreció la obra de tres mujeres vinculadas al movimiento surrealista: Leonora Carrington, Frida Kahlo y Remedios Varo.

María de los Remedios Varo Uranga, hija de la extravagante unión de un librepensador ingeniero hidráulico y de una devotísima católica, nació en Anglés, España, en 1908.
Debido a la profesión del padre, la familia viajaba frecuentemente a través de las geografías española y norteafricana. Para mantener entretenida a la niña, que ya daba muestras de su talento para el dibujo y la pintura, el padre la sentaba a su lado mientras trazaba los planos y diseñaba los aparatos mecánicos de sus proyectos hidráulicos, pero, a todas éstas, la madre consideraba que su hija no estaba recibiendo la formación apropiada para una niña de buena familia y decidió internarla en un colegio de monjas.

Cuando la familia se estableció definitivamente en Madrid en 1924, el padre, conocedor de su aptitud para la pintura, la estimula para que ingrese — a pesar del escándalo y disgusto de la madre y sus amigas— a la Academia de San Fernando, donde se convirtió en una de las primeras mujeres estudiantes de arte.
En San Fernado fue condiscípula de Dalí y de Gregorio Lizarraga, con quien se casó luego de graduarse. Juntos se marcharon primero a París y después a Barcelona —en ese momento la capital del modernismo español—, y allí se vincularon con Oscar Domínguez, Esteban Francés, Marcel Jean y otros artistas de vanguardia.
Al estallar la guerra civil española, Remedios se separó de Lizarraga y retornó a París.
Paris era luz y arte, y el arte era surrealista. Conoció a Benjamín Peret y se unieron sentimentalmente en 1937. Peret la introdujo en el círculo de los surrealistas e, inmediatamente, se creó la empatía y afinidad entre Breton, Eluard, Crevel, Desnos, Miró, Arp, Naville y ella.
¡Nuevamente la guerra! París cayó bajo las los cascos, las botas, los tanques y la cruz gamada Nazis; Peret y Varo lo hicieron tras las rejas del gobierno de Vichy, el cual los mantuvo en un campo de concentración hasta finales de 1941 cuando con la ayuda del Comité para Rescates de Emergencia, pudieron escapar a México, donde serían acogidos por la inmensa comunidad de artistas exiliados en ese país.
Corría el año 1947 cuando Peret decidió regresar a París. Varo lo acompañó, pero ya no fue la misma en Europa. Era una mexicana en París y sentía que su antiguo grupo del círculo surrealista ya no era más su gente. Extrañaba al país y al pueblo que la habían acogido y que ella había hecho suyos. Retornó a México, y esta vez fue para siempre.
En 1952 contrajo matrimonio con Walter Gruen —un refugiado político austriaco—, quien, como su padre, al darse cuenta de su singular talento la estimuló y ayudó para que se dedicara exclusivamente a pintar, ya que desde su llegada a Ciudad de México se ganaba la vida como diseñadora y decoradora. De este modo nació el período más fructífero en la producción artística de Varo, el cual se vio truncado de manera intempestiva en 1963 cuando, víctima de un ataque cardiaco, falleció a la edad de 55 años.

Remedios Varo, según Luis Martín Lozano (el crítico que por conocer mayormente su obra, ha sido el curador de la exposición en el MNMA), “tiene un pie en la tradición, y el otro, en la experimentación, pues sus cuadros son como enigmáticas preguntas que no tienen una respuesta específica”. Realmente, ante sus obras el espectador se tropieza con elementos que le resultan sumamente familiares y comienza a preguntarse: ¿dónde he visto este cuadro antes?
La memoria comienza a andar y desandar sin hallar la respuesta concreta, ya que ésta se encuentra en las experiencias infantiles, en los sueños y en las imágenes que pueblan el arte universal. Por lo tanto, lo ya visto está en las iluminaciones y las miniaturas medievales; en los cuadros de Giotto y Lorenzetti; en la pintura del Primer Renacimiento italiano, especialmente Fra Angélico; en Hyeronimus Bosch, Pieter y Jan Breughel y Lucas de Leiden, y desde luego, en el arte surrealista.

En su obra se amalgaman los sueños, los recuerdos de la infancia, las vivencias femeninas y los temores y horrores de la guerra; la búsqueda del conocimiento y la verdad a través de la ciencia, la religión y la filosofía. Su espíritu explora y se adentra en las teorías que van desde la de la gravitación universal hasta la de la relatividad; en el misticismo, el tantrismo y el budismo zen; en el psicoanálisis y, especialmente, los trabajos de Jung; en el Apocalipsis de San Juan y el Corpus Hermeticum que comprende algunos tratados de filosofía neoplatónica y gnóstica, así como también sobre el orfismo, la alquimia, la magia, la metapsíquica, la qabbalah, etc., y el tarot. Por eso, cuando en México conoció a la pintora y escritora Leonora Carrington, de inmediato se hicieron grandes amigas, pues la sensibilidad artística compartida llegaba a tal punto que Varo se refería a Carrington como “mi alma gemela en el arte”.

El misticismo de un lenguaje visual

En la obra de Varo la imaginación, como decía Breton, no perdona.
Salvo en obras como “Hacia la torre” (1960), donde la naturaleza es sombría y predominan los colores oscuros tanto en las edificaciones como en los personajes, el lenguaje visual de Remedios Varo ilumina con su color y su magia la posibilidad de acceder a una realidad más allá de la cotidiana; de transportarse a fantásticos mundos en los cuales los hombres se transmutan en gatos, porque de ellos será el paraíso; las mujeres viajan en extrañas barcas o alimentan con puré de estrellas a la luna o reciben llamadas para ascender a otros planos de la existencia; los juglares hacen malabarismos con la piedra filosofal; las naturalezas muertas resucitan y en las nubes la Jerusalén celestial gira sin detener jamás su movimiento.
Para Varo todo es posible. Al hacer uso de la decalcomanía, el fumage y el frotagge —técnicas muy usadas por los pintores surrealistas—, metaforiza el mundo interior y los cambios existenciales, de ahí que en “Gato-hombre” (1943) logre transmutar un ser en otro. Nada la detiene en su búsqueda de nuevas dimensiones metafísicas y espaciales, y para hallar el perfecto equilibrio en “Tránsito en espiral” (1962), los personajes se mueven incansablemente a través de interminables circunvoluciones alrededor de su Jerusalén celestial. Igual sucede en “Naturaleza muerta resucitando” (1963), en la que, al trastocar los conceptos de tiempo, energía y cosmos, se aleja de la racionalidad de las ciencias, penetra en el reino de la metapsíquica y logra insólitos efectos visuales. También en “Paraíso de gatos” (1955), uno de sus más fascinantes cuadros, se vale de su exquisito humor y lo pone al servicio de la imaginación y el color para burlarse de los humanos que andamos tras el paraíso perdido, pues para alcanzarlo tendremos que trasmutarnos en gatos, ya que su edén está sólo reservado para las Cleopatras y los Renés Mermelados que maullarán y jugarán felices por toda la eternidad.
En consecuencia, ante la obra de Remedios Varo hay que admitir que las tonalidades, el movimiento, la alegría, la luz y los enigmas han hecho de su imaginario una expresión de lo maravilloso, por eso en sus autorretratos “La llamada” (1961) y “Exploración de las fuentes del Río Orinoco”(1959), su radiante figura avanza portando el divino elixir o navega en beatífica gracia, pues sabe que definitivamente ha abierto la “puerta de piedra” y revelado los arcanos de la existencia donde, como decía Breton, “solamente lo maravilloso es bello”.

Zascandil

Por Isaac Lugo



Desconcertado y por raro que esto parezca, observé frente de mí a una persona que fácilmente podía ser confundido conmigo, por no decir que era yo aquel hombre que, sentado, descansaba en las escaleras amplias y grises.

No pude evitar que un profundo miedo paralizara mi cuerpo al pensar que él pudiera ser yo y no ser yo quién en realidad era, pero, ¿como podía yo no ser yo y él ser yo? Porque si él era... entonces yo... ¿acaso pudiera ser que tenía un hermano gemelo idéntico hasta ese momento desconocido? No, era imposible pensar en ello, no existía ningún hermano gemelo. ¿Quién era él?

Al respecto pasaron por mi mente diversas teorías, todas imposibles. No tenía yo ningún hermano gemelo, tampoco creía en las fuerzas ocultas ni misterios esotéricos, ocultismo o alguna otra respuesta de estas seudo ciencias o fenómenos paranormales. Me atreví a preguntar su nombre y la respuesta me dejó perplejo.

- Mario Torres

- ¡No puedes ser Mario Torres!, ¡yo soy Mario Torres!

- Bueno, pues supongo que es una extraña coincidencia.

Podía ser, como el dijo, una extraña coincidencia, lo que no podía aceptar era el asombroso parecido, la idea de verme reflejado en él, Mario Torres, que por si fuera poco era también mi nombre. El asunto no tenía una explicación lógica, fuera de razón alguna la confusión deambuló en mi mente.

Decidí no hacer más preguntas y retirarme al instante de aquella escena escalofriante, sin decir nada caminé sin voltear la mirada.

Al día siguiente volví a encontrarlo, su cara un poco transformada como si repentinamente hubiese envejecido, argentada y fría. No entendía cual era la razón de encontrarlo de nuevo en el mismo sitio que el día anterior, su expresión indiferente a mi presencia me parecía aún más extraña puesto que, bueno, a diferencia de él, me sentía aterrado.

Recuerdo aquellos días tristes, nublados y fríos como el rostro del doble que, posterior al tercer día seguido de encontrarlo en el mismo lugar, Mario Torres cambió de sitio.

El cuarto día caminé nuevamente por la calle acostumbrada, en contraste, las escaleras vacías, sin él, me provocaron un alivio. Pensé que me había librado de su terrífica presencia, pero estaba muy equivocado.

Continué mi camino hasta llegar a casa, abrí la puerta y a tan sólo unos pasos lo observé en la sala, cruzó la pierna después de acomodar su trasero en el sillón de mi preferencia. Molesto me aventure por segunda ocasión a descubrirlo.

- ¿Quién eres, qué haces aquí, dime qué es lo que pasa?

- Tu y yo somos el mismo, tendrás que entender que...

Sin decir más se levantó, cada vez más envejecido y como si viese un cuerpo sin vida seguí sus pasos que me condujeron hasta el baño, se desnudó por completo no sin antes abrir la llave del agua calida que caía en la tina de porcelana blanca. Sumergió su cuerpo, la mano derecha envolvía en sí una pequeña navaja que descubrió al abrir su palma y súbitamente, de un sólo tajo, cortó la piel, carne y venas de la parte inversa al codo y continuo por igual con la muñeca del brazo izquierdo.

Intenté detenerlo pero me fue imposible tocarlo, el desvanecimiento de mis manos sobre su cuerpo me imposibilitó hacer algo en su ayuda, sus palabras volvieron a mi mente.

Tu y yo somos el mismo, tendrás que entender que...

LA HUIDA

Por V. Fabián

Mi corazón está partido en dos y aún te llama,
apenas consigo la fuerza para huir.
Logré quitar los candados de mi mente y mi alma,
y ahora que no puedo soportarlo más
el camino frente a mí se levanta.

¿Acaso no ves que tengo alas?
Nunca te atreviste a aceptar que volaba,
mas no miraré atrás
pues en mis recuerdos siempre estarás.

Ahora que te dejo
siento que vuelvo a respirar
y aunque sé que me amas
ha llegado la hora de planear.

Vámonos lejos, la niebla nos ocultará
un nuevo mundo, mi mundo, nos acogerá.
Huyamos de esta falsedad
y detrás de esa montaña,
de otro sueño me despertarás.

RUPTURA

Por Miquiztli


Se adentra mi alma en un mundo onírico


de formas geométricas,


en eterno movimiento,


viajan al universo introspectivo de tu ser


de tu forma y poesía singular.



Dejando el sentimiento,


volaran libremente,


conjugando los coloresmatizando tus ideales.



Guarda eternamente, tus problemas,


tus miedos y dolores


en la vieja canasta que guarda mil fantasmas.



Huye de las convenciones, de las normas


y conceptos que te mantienen atada


vuela libremente,


despliega las alas.



Ya no eres la mujer frágil de antaño


eres la inquieta Remedios, etérea, sublime


que escapa al exterior


la eterna pintora que se alejo del dolor.



Nota: Realmente fue algo increíble escribir sobre Remedios Varo, y por que no decirlo, difícil. La complejidad y sencillez van de la mano, será que nos cuesta tanto alejarnos de las normas y de lo establecido, será que tenemos miedo de revestirnos de libertad y volar sutilmente y ser simplemente nosotros en un mundo, que se pierde entre formas materiales y nos hace vivir tan rápido, que nos privamos de las cosas bellas.

romance ordinario

cagado por el horror que se esconde tras los símbolos de lo cotidiano. que el tetragrammaton os agarre confesados.
Por Dante Guerrero


A: ándale ya vístete.
Sabes…. Deberíamos dejarlo de hacer en casa, no me gustaría que mamá me escuchara o peor, que nos viera.
B: si, también yo ya lo había pensado.
A: si tuvieras un trabajo chido seria mas fácil, ya sabes, independizarte, tener tu depa y así. Puedo decir que iría a casa de una amiga y así no dormiríamos en cuartos separados; al menos no diario.
B: ja … también podríamos pagar un hotel como las personas decentes o tu dejar de estudiar y así entre los 2 seria mas fácil.
A: no mames solo me faltan seis meses pa acabarla, además solo era una sugerencia, ya olvídalo.
B: oye… y no te sentiste rara ahora que lo volvimos a hacer así,
A: esta vez no. Fue mas fácil, no entiendo porque tu obsesión.
B: no es obsesión. Es curiosidad, es que Jacobo me dijo que era de a jefes.
Verás… la historia es que con su ex chica lo hizo, y quedo medio lastimada entonces toda la semana la niña al ir cagar no dejo de pensar en el; maldiciéndolo claro está.
A: pendejo querías que me pasara lo mismo
B: no, no, aparte me contó que se sentía chido…. O ¿no?, lo otro solo es la parte cagada.
A: ps normal, no es nada del otro mundo.
B: mta…
A: creo que deberíamos olvidarnos de esto…

C: ¡ HEEEY! ¡YA BAJEN A CENAAAR!

A y B: ¡SI…!
B: baja tu primero, es que tengo ir al baño.
A: sip
A: oye ma… me pasas el café
C: toma, ¿por que cesar no baja?
A: es que entro al baño.
M: justo cuando se le llama a cenar se le ocurre ir al baño o ponerse a hacer sus cosas, ¡siempre hace lo mismo!, desde chiquito tu hermano siempre ha sido igual. ¡CEEESAAAR!.

OdisSea 07-EXIT

ESTRENO MUNDIAL DE LA COREOGRAFÍA EPIDERMIS DE BEATRIZ MADRID

*** Temporada del 4 al 14 de octubre en el Teatro Raúl Flores Canelo

“…recuerdo también viajar,
recuerdo el viaje que haré,
continuamente viajo de ida,
aunque esté volviendo”.
Marcos Ariel Rossi


Con el estreno mundial de la coreografía Epidermis de Beatriz Madrid y la celebración de cincuenta representaciones de Solo x 1 instante de Marcos Ariel Rossi, la compañía FÓRAMEN M. BALLET presentará del 4 al 14 de octubre en el Teatro Raúl Flores Canelo del Centro Nacional de las Artes, el espectáculo OdisSea 07-EXIT.

La coreografía Yo-vió a secas (Rossi), presentada con gran éxito en Nueva York durante febrero de este año, así como una instalación de video-danza, como introducción al espectáculo, completan la puesta en escena OdisSea 07-EXIT, la cual forma parte de la temporada La Danza y sus especies.

Para Beatriz MadridOdisSea 07-EXIT simboliza las puertas que se nos han abierto, Solo x 1 instante nos abrió las puertas de Bellas Artes con el premio INBA-UAM 2002; Yo-vió a secas nos dio entrada a Nueva York y obtuvieramos la beca por excelencia de México en Escena; Epidermis abre la puerta a una nueva etapa de FÓRAMEN.

Sobre Epidermis, Madrid explicó, “es una obra metafórica, representa los cambios de piel en el ser humano, un reencuentro entre seres heridos a través de muchas vidas; un andar sin detenerse por caminos sinuosos y sin esperanza: una reflexión al interior de la vida del ser humano, pero también, una invitación a gozar la belleza plástica de los bailarines que en Epidermis se convierten en esculturas caminantes”.
Por su parte Marcos Ariel Rossi apuntó que FÓRAMEN busca “generar vínculos entre la compañía y las instituciones, pueblos, ciudades y países de todo el mundo con el afán de promover y difundir la danza en todos los rincones del planeta”.

Las funciones de OdisSea 07-EXIT se llevarán a cabo del 4 al 14 de octubre en el Teatro Raúl Flores Canelo del Centro Nacional de las Artes; jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados y domingos a las 16:00 horas. Río Churubusco Nº 79, esquina con calzada de Tlalpan, colonia Country Club, cerca de la estación General Anaya del Metro. Costo 100 pesos. Boletos en taquilla o ticketmaster. Consulte cartelera www.cenart.gob.mx
Francisco A. Avila

CRI-CRI EN LA BIBLIOTECA

CRI-CRI FUE PROHIBIDO EN 1959 POR SU EXCESO DE FANTASÍA: BENJAMÍN JUÁREZ ECHENIQUE

*** Inauguración de la exposición “Cri-Cri en la Biblioteca”
*** Fotografías, partituras y objetos personales de Francisco Gabilondo Soler


El jueves 20 de septiembre, en el vestíbulo de la Biblioteca de las Artes, del Centro Nacional de las Artes, Benjamín Juárez Echenique, Director General del Centro Nacional de las Artes; Eugenio Delgado Parra, Director del CENIDIM; Julio Gullco, Coordinador General de la celebración Todo por Cri-Cri; y Tiburcio Gabilondo, Director de Gabsol, dieron por inaugurada la exposición Cri-Cri en la Biblioteca, la cual se mantendrá abierta hasta el 30 de septiembre.

En la ceremonia de inauguración el Mtro. Juárez Echenique recordó que en 1959 la Dirección General de Enseñanza Preescolar de la Secretaria de Educación Pública prohibió que se tocaran en las escuelas las canciones de Cri-Cri, bajo la consideración de que por su exceso de fantasía, fueran perjudiciales para los niños pues los alejaban de la realidad. Sin embargo, el pueblo de México y de muchos otros países opinaron lo contrario por lo que Cri-Cri sigue tocando y encantando nuestras vidas.

Desde su propia experiencia musical y sin ánimo de calificar la obra de Cri-Cri, Juárez Echenique mencionó lo sorprendente que es la cantidad de ritmos que adoptó Francisco Gabilondo Soler para sus canciones, “la araña que baila tango, Teté cha-cha-cha, otros bailan swing, o una polea, música alpina, en fin una variedad innumerable de modos de expresión musical a los que recurrió Cri-Cri.

“Cri-Cri nos deja como herencia, una música divertida o tristona, exótica o nostálgica, y unas letras de canciones que saltaban de la fantasía a la ensoñación, pasaban a una rara melancolía y de ahí a algo francamente divertido” agregó el funcionario.

Por su parte Tiburcio Gabilondo definió la exposición como “una muestra de vida en imágenes y objetos”. Cada objeto o fotografía representa parte de la personalidad e intereses de Cri-Cri, desde su labor musical como su mayor pasión: la astronomía.

De los objetos expuestos, el hijo del compositor, explicó que el violín es uno de los instrumentos asociados al grillito cantor, “era un gran estudioso de otras herramientas musicales para aprovecharlas mejor en sus composiciones pero que Gabilondo Soler era pianista propiamente”.

“La gran pasión de Gabilondo Soler fue la astronomía, de modo que el siempre tenía material de estudio y artículos como los libros que se muestran sobre el tema, bitácoras de sus observaciones, uno de sus telescopios; a él le hubiese gustado ser astrónomo profesional; asimismo fue un amante de la navegación y en una de las vitrinas podemos apreciar sus mapas náuticos y lunares, bitácoras de navegación”.

Compuesta por 30 fotografías en las que se resume la vida del compositor, pasando por un violín, la partitura original de El chorrito, hasta un telescopio, la exposición Cri-Cri en la Biblioteca -como parte de los festejos por el centenario del nacimiento de Francisco Gabilondo Soler y que en el Centro Nacional de las Artes forma parte del ciclo Todo por Cri-Cri-, es un esfuerzo por revalorar el legado del músico, así como una oportunidad para el gran público de descubrir la genialidad y lo polifacético de este personaje entrañable de la cultura popular mexicana.


Francisco A. Avila

JULIO RUELAS

Homenaje a Julio Ruelas en el centenario de su muerte
INVITACIÓN A UN PLACER SINIESTRO: BENJAMÍN JUÁREZ ECHENIQUE


"Yo quisiera escribir como usted dibuja"
Palabras de Justo Sierra a Julio Ruelas



El lunes 10 de septiembre, el Centro Nacional de las Artes a través de la Biblioteca de las Artes, llevó a cabo la primera de dos mesas redondas como Homenaje a Julio Ruelas en el centenario de su muerte; moderada por el Mtro. Benjamín Juárez Echenique, la mesa contó con las ponencias de Fernando Curiel, Vicente Quirarte, Julieta Ortiz Gaitán y Antonio Saborit.

La mesa inició con una semblanza en video, titulada “Julio Ruelas. El Poeta de la línea” en la que se esbozo la trayectoria artística de Ruelas, (Zacatecas 1870 - Paris 1907) su importancia y trascendencia en el dibujo y grabado mexicano, su paso y huella imborrable en la Revista Moderna junto a artistas como José Juan Tablada, así como su papel en la corriente decadentista de finales del siglo XIX.

Perteneciente a un círculo literario entregado a los placeres mundanos, a la bohemia y los excesos, el círculo de Ruelas estaba a los pies de la Dama Muerte. Su obra se resume en unas cuantas pinturas pequeñas; en las ilustraciones que hizo para la Revista Moderna y en una serie de grabados al aguafuerte. Las viñetas y demás ilustraciones que produjo la Revista Moderna forman una síntesis de sus preocupaciones fundamentales: el amor y la muerte, la opresión, la angustia y la desesperación. La obra de Julio Ruelas, para Benjamín Juárez Echenique “nos invita a un placer siniestro”.

El primer orador fue Vicente Quirarte quien recordó que a pesar de contar con fama y prestigio en vida, la obra de Julio Ruelas fue realmente valorada a mediados del siglo XX. En febrero de 1898 la Revista Moderna lanzó su primer número, Julio Ruelas además de Director Artístico realizó la portada y diversas ilustraciones que se mantuvieron hasta 1903, año en que partió a París donde murió el 16 de septiembre de 1907.

Sus ilustraciones hoy se consideran obras de arte por su originalidad. Sátiros, mujeres, cuervos y gatos son sólo algunas de las figuras recurrentes en su obra cuyo simbolismo refleja el decadentismo de su tiempo. Influenciado por Charles Baudelaire, compañero de aventuras de Amado Nervo, “Julio Ruelas tuvo la sensibilidad y la habilidad de entender y traducir a los escritores de su época, de hacer de la ilustración periodística un arte mayor” apuntó Quirarte.

Antonio Saborit hizo un recuento de la carrera de Ruelas antes del primer número de la Revista Moderna en 1898, de su estancia en la Academia de San Carlos y su viaje a Alemania para concluir y perfeccionar sus estudios, ingresando a la Escuela de Arte de la Universidad de Karlsruhe; trabajó en los talleres de destacados pintores del romanticismo alemán como Mayerbeer, Klinger y Stuck. También fue discípulo de Arnold Böcklin, quien tendría una influencia decisiva en su obra. Al concluir su formación regresó a la ciudad de México a los 28 años, y de inmediato fue invitado por la Academia de San Carlos para montar su primera exposición individual.

Saborit recordó que Jorge Juan Crespo de la Serna, discípulo de Ruelas fue uno de los personajes más importantes en la revaloración de la obra del artista zacatecano a mediados del siglo pasado. Asimismo puntualizó el papel de José Juan Tablada en el desarrollo artístico de Ruelas como amigo, mecenas y principal promotor al nombrarlo “el Murillo mexicano”.

Fernando Curiel enmarcó la obra y vida de Julio Ruelas en su contexto socio-histórico. Rememoró los cables y telegramas que en 1907 desde la embajada de México en Francia dieron aviso de la muerte del artista; señaló que el segundo viaje de Ruelas a Alemania fue auspiciado por el gobierno mexicano, en gran medida gracias a Justo Sierra que ocupaba en aquel entonces el cargo de Ministro de Instrucción Pública. Sobre el fruto artístico de Julio Ruelas, Curiel apuntó “un solitario desencantado de atormentada y fantástica pluma, más que un movimiento pictórico, Ruelas creó un movimiento literario”

Finalmente, Julieta Ortiz Gaitán dedico su ponencia al trabajo de Ruelas en la mercadotecnia con los anuncios que creó para diversas empresas en la Revista Moderna. Pertenecientes a una gráfica finisecular, los anuncios de Ruelas, de la misma forma que el resto de su obra, es arte puro. En ocasiones de difícil comprensión su trabajo publicitario está plagado de referencias literarias e historias fantásticas -a diferencia de los comerciales actuales en los que el mensaje debe ser directo.

Ortiz Gaitán explicó los rasgos característicos y sobresalientes de algunos de los anuncios realizados por Ruelas, uno para la Cervecería de Toluca, basado en Falstaff personaje shakesperiano; dos anuncios del Banco Minero en la que la figura masculina retoma la belleza antigua; los de la Compañía Industrial Jabonera “La Laguna” y “La Unión” Fabrica de Calzado en el que los duendes y hadas ocupan un lugar primordial con sus distintas significaciones tanto mitológicas como simbólicas.

La segunda y última mesa del Homenaje a Julio Ruelas en el centenario de su muerte, fué moderada por el Mtro. Othón Tellez y contó con la participación de Luis Rius Caso, Miguel Ángel Castro y Arturo Noyola, el jueves 13 de septiembre a las 17:00 horas, en el vestíbulo de la Biblioteca de las Artes del Centro Nacional de las Artes, ubicado en Río Churubusco Nº79, esquina calzada de Tlalpan, colonia Country Club, cerca de la estación General Anaya del Metro. Consulte cartelera www.cenart.gob.mx


Francisco A. Avila

TRAZO... DES-DOBLAR

Trazo… des-doblar, instalación de Aldo Córdoba

EL ARTE COMO UNA FORMA DE EXTENDER UN ESPACIO DE TIEMPO DE FORMA INFINITA

*** Inauguración jueves 13 de septiembre en la Galería Espacio Alternativo de La Esmeralda



Por medio de notas, apuntes y una escultura lumínica, el artista Aldo Córdoba busca llevar al espacio de la galería, la experiencia del tiempo dilatado de un instante, creando un atardecer continuo como parte de la instalación Trazo… des-doblar, que tendrá lugar del 13 de septiembre al 4 de octubre en la Galería Espacio Alternativo de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, La Esmeralda.

Aldo Córdoba recrea una experiencia de la percepción de un espacio, a través de la luz; una reconstrucción documental de un lugar recorrido que se resiste al paso del tiempo. Un viaje en avión permite desdoblar la línea tras la que se oculta el sol en el atardecer y del cual aún es presente: un intersticio de memoria que se dilata en la narración del instante expandido.

La pieza forma parte de un proyecto en el que el tema del paisaje y sus transformaciones son eje para el artista; la búsqueda de nuevos recorridos y pliegues en el paisaje son pretextos para la construcción del espacio, por ello el interés de esta obra en mostrar la narración del trayecto de dos planos distintos que extienden un espacio de tiempo.

En palabras de Aldo Córdoba la instalación Trazo… des-doblar, “parte de la experiencia de un viaje que me interesó vincular a un proyecto de instalación, trabajando los temas del tiempo y espacio. Dentro del proyecto existe un interés por el dibujo y sus estrategias de representación; uno de los puntos importantes del proyecto es la idea de anamorfosis pero tratado desde un perspectiva temporal”.

La propuesta artística es “la de trabajar sobre un aspecto de la conciencia temporal y espacial de un acontecimiento en particular, un viaje, y tratar de extender ese espacio de tiempo de forma infinita”.

Sobre su estilo Aldo Córdoba dice no creer en esa idea; “pienso que en el arte se inventan estrategias o formas de trabajo en las cuales se enmarca la práctica artística, cada artista articula mecanismo para crearse un plano de producción de imágenes particular”.

Sobre los artistas que han influido en su formación artística, Aldo Córdoba menciona a Bruce Nauman, Lozano Hemer y David Lynch, así como los artistas del neoconcreto brasileño, corriente de la que Trazo… des-doblar recoge mayor resonancia.

La instalación Trazo… des-doblar será inaugurada el jueves 13 de septiembre, a las 20:00 horas en la Galería Espacio Alternativo de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, La Esmeralda, del Centro Nacional de las Artes, Río Churubusco Nº 79, esquina calzada de Tlalpan, colonia Country Club, cerca de la estación General Anaya del Metro. Entrada libre. Consulte cartelera www.cenart.gob.mx


Francisco A. Avila

RAÚL GALLO-CALVO

Festival Camarissima

EL REPERTORIO DE CÁMARA ES INAGOTABLE PERO POCO EXPLORADO: RAÚL GALLO-CALVO

*** Viernes 14 de septiembre a las 20:00 horas en el Auditorio Blas Galindo


Como parte del Festival Camarissima, el viernes 14 de septiembre, el tenor Raúl Gallo-Calvo deleitará al público con un programa que incluirá las piezas: Ah se fosse in trono al trono y Dalla sua pace, de Wolfgang Amadeus Mozart; Adelaide, de Ludwig van Beethoven; Auf dem wasser zu singen, Die forelle y Nacht und Traume, de Franz Schubert; Elegie de J. Massenet; Le papillon et la fleur, Reve D’amour y Apres un reve, de Gabriel Fauré; Milonga de dos hermanos, La siempreviva y Bonita rama de sauce , de Carlos Guastavino; así como Tú, Soñó mi mente loca, y Aleluya de Manuel María Ponce.

Abogado de profesión, Raúl Gallo-Calvo descubrió su verdadera vocación a los 23 años cuando escuchó la ópera Caballería Rusticana, de Pietro Mascagni. A partir de entonces cursó estudios de canto en el Conservatorio Nacional de Música y con la maestra Dora Brousset, entre los años 1993 y 2001.

Su actividad musical tanto en Perú (su país de origen) como en México (donde reside desde el año 2001) se ha concentrado en el repertorio de cámara. Ha realizado estudios con el barítono Jesús Suaste. Asimismo, clases maestras de Pedro Lavirgen en Madrid, Roberto Scandiuzzi en Santander y Juan Diego Flórez en Pesaro. Desde el año 2002 estudia con la maestra Alicia Torres Garza

Sobre las piezas que integran el programa que ejecutará, el tenor declaró: “Las seleccioné con base en su diversidad estilística y lingüística, otras porque son piezas que el público conoce y aprecia. Mi repertorio no es de lo más común para los tenores, son pocos los que le dedican tanto tiempo al repertorio de cámara, el cual es inagotable pero poco explorado. Vocalmente es un repertorio muy sano y además exige mucho refinamiento.

“Las dos obras de Mozart son muy difíciles de cantar, se trata de las dos únicas arias que incluye el programa; lo demás es lieder. Adelaide de Beethoven, es mi favorita, es exquisita, está al borde del clásico y el romántico, una pieza cuya dificultad está en el largo fiato, sin embargo, me parece la más hermosa.

“Schubert, por su parte, no es muy difícil de abordar vocalmente, su problema está en manejar la dicción, hay que hacer notar las consonantes que sobran en el alemán en una pieza llena de legatos. Las canciones de Guastavino son de una hermosura que podríamos llamar campirana, este compositor era un hombre que amaba la naturaleza y eso se refleja en su obra, sus piezas están escritas originalmente para voces más graves, para barítono. Ponce requiere mayor energía e interpretación que los otros compositores.”

Sobre la interpretación que imprime a cada melodía explicó que viene de forma inherente; “cada compositor tenía una intención específica al escribir por lo que cada pieza tiene un carácter propio y transmite cierta emoción; los alemanes por ejemplo, tienen un contenido idealista y romántico, los franceses, como Fauré, son más sensuales, pícaros o melancólicos; Guastavino es un caso particular por su amor a la naturaleza, mientras que Ponce es apasionado, incluso violento”.

El Festival Camarissima continuará con la presencia de Sibie Henstra, de Holanda, el miércoles 19 de septiembre a las 20:00 horas, en el Auditorio Blas Galindo del Centro Nacional de las Artes, Río Churubusco Nº 79, esquina calzada de Tlalpan, colonia Country Club, cerca de la estación General Anaya del Metro. Costo 100 pesos. Boletos en taquilla y ticketmaster. Consulte cartelera
www.cenart.gob.mx

Francisco A. Avila

POSGRADO VIRTUAL 2008

Francisco A. Avila
ABIERTA LA CONVOCATORIA PARA EL POSGRADO VIRTUAL EN POLÍTICAS CULTURALES Y GESTIÓN CULTURAL 2008
*** Formar profesionales capaces de enfrentar las tendencias y los retos del campo cultural iberoamericano


Con el objetivo de contribuir a la profesionalización de quienes participan en la gestión cultural de los países de Iberoamérica, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes a través del Centro Nacional de las Artes, la Organización de Estados Iberoamericanos para la Educación, la Ciencia y la Cultura y la Universidad Autónoma Metropolitana Unidad Iztapalapa, convocan a participar en el Posgrado Virtual en Políticas Culturales y Gestión Cultural 2008.


Organizado por quinto año consecutivo, tanto en su modalidad de Especialización como en la de Diplomado, el programa ha brindado herramientas de profesionalización y formación a más de trescientos egresados de dieciocho países (agentes, gestores, funcionarios, artistas) mediante un espacio virtual de educación a distancia que utiliza nuevas tecnologías para impulsar la profesionalización del sector cultural desde una nueva concepción de cultura y desarrollo.


El programa intenta crear una comunidad de profesionales de la gestión cultural, generando los mecanismos necesarios de comunicación, diálogo, cooperación e intercambio entre profesionales de las políticas culturales y la gestión cultural iberoamericana.

Gracias al diseño y tutoría de destacados especialistas del campo cultural como Eduardo Nivón, George Yúdice, Alfons Martinell, Xavier Marcé, Winston Licona y Felipe Garrido, entre otros; el Posgrado Virtual cuenta con grandes ventajas como un programa educativo de la más alta calidad y la disponibilidad de horario; todo con la finalidad de formar profesionales capaces de enfrentar las tendencias y los retos del campo cultural iberoamericano.

Sobre las cualidades del Posgrado Virtual en Políticas Culturales y Gestión Cultural, egresados de generaciones anteriores mencionan el diseño del curso; el alto nivel de los especialistas que tutoran los trabajos virtualmente, así como la oportunidad que brinda el curso de estudiar y trabajar al mismo tiempo.

A la comunidad cultural y artística, particularmente a aquellos interesados en continuar su formación y acceder al desarrollo, gestión, autogestión y financiamiento de proyectos, las instituciones convocantes reiteran la invitación para formar parte del Posgrado Virtual en Políticas Culturales y Gestión Cultural 2008. La aplicación, para efectos de inscripción, puede realizarse en línea hasta el próximo 26 de septiembre de 2007 dando clock en la siguiente imagen.





FOTOSEPTIEMBRE


A Todos aquellos interesados en la fotografía, les dejo aquí la invitación oficial para la inauguración de FOTOSEPTIEMBRE, agéndenlo



Por Francisco A. Avila

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